Trascender con el comic.Una texto delirante por KioskermanHace poco descubrí que, para mi, el arte y en especial el comic, tiene un sentido especial, que está ligado a la posibilidad de
lograr que el lector tenga una mínima experiencia de trascendencia. Trascendencia entendida como la posibilidad de salirse de uno mismo y entrar, aunque sea brevemente, en otro estado de conciencia diferente al de la vida diaria.
Mi teoría es que esto sucede primero en
dos pasos relacionados con el dibujo: el dibujo que permite ser leído como símbolo (como un "primero paso") y el dibujo que permite meterse en un nuevo mundo (como un "segundo paso").
La montaña y el conejoImaginate que estás frente a un paisaje impresionante: una montaña. Te sentás a contemplar el paisaje y lo que entra por tu vista y tus sentidos es tan...grande, que tal vez, en algunos minutos, llegues a un estado de conciencia diferente al que tenías anteriormente.
Paz, tranquilidad, sensación de bienestar, etc. Llamese también trascendencia (o como usted prefiera)
Yo tengo la teoría de que se puede llegar a ese un estado muy similar cuando se contempla el arte: oyendo música, viendo una película o mirando cuadro. También, leyendo un comic.
Podría decirse que ese estado en el que entramos, es también un estado de fascinación. Como cuando uno cazador encandila a un conejo para que el animal quede embobado durante minutos y luego pueda ser atrapado fácilmente.
Creo que en el caso de la montaña es solamente un
primer paso. Miramos, nos fascinamos y nos vamos a casa.
En cambio, en el segundo caso (el conejo) son
dos pasos: miramos, nos fascinamos... ¡Y nos meten un tiro en la cabeza!
Imagínense ahora que el comic es la montaña,
el autor es el cazador
y el lector es el conejo.
El conejo queda fascinado por la montaña, entra en un estado conciencia diferente y...bang! el autor le mete un balazo en la cabeza (un historia
manufacturada que le permite al lector entrar en un
mundo de ficción, un estado de conciencia diferente)
Yo creo que cuando llegamos a ese estado, hay una trascendencia y un indicio de otros planos mentales, que son apreciados por el ser humano.
El tiempo y el no-controlExisten muchas técnicas para meditar. Pero creo que lo más importante es el
tiempo. El tiempo que transcurre cuando estamos meditando y que nos lleva a otro estado de conciencia. Y lo que sucede, en el tiempo, es que
perdemos el control. Y cuando perdemos el control podemos abrir otras puertas. Dejamos de pensar, pensar, pensar.
En el caso de la montaña, va a pasar un tiempo determinado desde que comenzamos a contemplar hasta que empezamos a sentirnos bien. Hay que saber esperar a que la mente se calme, deje de controlar.
Yo creo que en el comic (y en muchas otras artes) pasa lo mismo. Nosotros entramos por la primera página y de acuerdo a la “efectividad” del comic, vamos a ir entrando en un estado de
no-control (a medida que pasa el tiempo de lectura) en que nos olvidaremos de nosotros mismos e ingresaremos
en el mundo de la obra. Es el aspecto elevado que encuentro en el arte, que lo convierte en algo importante para el ser humano. Nos permite lograr otros planos en la mente, como la meditación.
Eso mismo puede experimentarse con la pintura, el cine, la literatura, la música.
Como decía, el tiempo es uno de esos factores fundamentales. El otro factor es el no control.
Cuando miramos la montaña nos llega la “montañez” del asunto, lo gigante, lo inmenso es lo que contemplamos. Tal vez al principio nos detenemos en detalles: el árbol sobre esa ladera, el verde aquel de la base, la sombra de las nubes sobre esa otra ladera.
Pero a medida que pasa el tiempo vamos perdiendo el control y nos quedamos mirando absortos, como embobados. Contemplamos la
escencia.Creo que el mismo efecto puede producirlo un dibujo "efectivo" en un comic: hacernos contemplar la escencia y no el detalle.
Construir la montaña con el dibujoCreo que de la misma manera en que se
construye la ficción en un guión de un comic se debería construir a través del
dibujo. Si en el guión se construye el mundo a través de la elección de un tono, una estructura, de un escenario, de unos personajes con características, etc, en el dibujo podría construírse a traves de la elección de cómo queremos dibujar (pensar nuestro dibujo y su sistema lógico) Entender nuestro dibujo, de la misma manera que intentamos entender el armado del guión.Para mi el dibujo en el comic es fundamental porque es la herramienta que nos va a permitir entrar en estado de fascinación. Es la montaña.
Esto no significa para nada que el guión no es importante. Es también fundamental, claro. Pero creo que se puede, con una suerte de formalismo, separar estas partes para entender el todo.
Creo que muchas veces sucede que una persona que va a hacer un comic. piensa primero el guión y la idea (construye
esa ficción)
y luego se manda a dibujar sin pensar cómo va a dibujar.
Sin pensar que cuando dibujo también tiene la posibilidad de construir la ficción.
Esas dos cosas fueron las que hizo Art Spiegelman antes de iniciar "Maus".
Creo también que muchas veces un autor de comics se va a sentar a dibujar y va a dibujar con el estilo que "salga", con el que tenga adquirido. Tal vez es un ilustrador o animador y cuando se siente a hacer su comic, va a utilizar el mismo estilo que usa para la ilustración o la animación, para el comic.
Y no digo que esto esté mal. Puede funcionar. Pero lo que digo es que uno tiene la posibilidad de construir su montaña a través de un dibujo pensado. Y si la montaña funciona, adentro...
¿Cómo construir la montaña?
Entonces, tenemos al lector (la liebre que quiere ser fascinada) y tenemos la posibilidad de construir la montaña con el dibujo. ¿Cómo hacerlo?
No tengo la menor idea. Hay que experimentar y dibujar. Eso solo se puede saber con la intuición del artista.
Pero sí tengo una sospecha. Y esa sospecha está vinculada a cómo se puede hacer para lograr que funcione esto del tiempo y no-control en el lector.
Tiempo para que el lector se meta rápidamente en la ficción y no-control para que se olvide que está leyendo y se meta de lleno en nuestro mundo (el famoso contrato de verosimilitud)
Y mi sospecha radica en que eso se logra, en el comic, principalmente, a través del estilo de dibujo del autor.
El dibujo como símbolo según Ware, Tezuka y Hergé
Según Chris Ware, según la escuela de la línea clara (Hergé a la cabeza) o según la escuela del manga (Tezuka a la cabeza con el efecto “máscara”), en el comic, las imágenes son leídas como símbolos y no tienen que ser vistas como dibujos. Esto creo que ya es hoy un conocimiento claro para muchos.
El dibujo funciona como un símbolo que leemos, de la misma manera que leemos letras en secuencia en un libro de prosa. Es decir, si estamos leyendo un novela, no nos detenemos en la belleza de la tipografía sino que leemos eso que en definitiva son imágenes (las letras)
En el comic, si tenemos un fin narrativo como lo tienen estos autores que nombré, debería suceder lo mismo: las imágenes se transformarán en símbolos que adquirirán un sentido narrativo al estar puestas en secuencia.
Hay mucho estudiado sobre el tema. En “Understanding Comics”, el libro de Scott Mc Cloud está más que bien explicado. También en “Chris Ware”, el libro de entrevistas con el dibujante, editado po Daniel Raeburn.
Obviamente también hay escuelas o autores que buscan todo lo contrario, buscan que el tiempo de lectura de la imagen sea arduo y largo. Art Spiegelman dice que eso puede ser provechoso para estirar el tiempo de percepción. Tal vez ese esfuerzo sea aún más gratificante. Pero yo no lo entiendo aún, por lo cual no voy a escribir sobre eso.
Para lograr el estado que a mi me interesa, el dibujo no tiene que estar tan adelante. No me pregunten cómo hacerlo...creo que es es justamente eso el talento de cada artista.
Un agregado a toda esta teoría
Yo creo que lo que propusieron Ware, Hergé o Tezuka (entre otros): la lectura de las imágenes como simbólos, es un primer paso desde el dibujo (no desde el guión). Eso sería como ver la montaña y después irse a casa.
Es decir el dibujo como símbolo nos permite entrar al mundo sin cuestionarnos el detalle, nos permite llegar a la escencia de la historia. Creo que esa es la parte formal.
Pero a mi me interesa la parte del arte también, como el conejo recibe la bala. Y creo que la "magia" del comic se da con esos dos pasos en sincronía.
Y ese segundo paso sería el estilo personal, la sensiblidad del artista en la línea y su propia forma de dibujar las cosas. Ese estilo, esa personalidad es la bala, porque una vez que el símbolo nos hace entrar, nos abre la puerta, la personalidad del dibujo nos muestra el nuevo mundo.
Intentando ser más concreto aún: el primer paso sería el dibujo como símbolo que nos relaja, nos tranquiliza y nos permite ponernos en estado de contemplación, una especie de trascendencia. Al no prestar atención al dibujo en si mismo sino leerlo. Al pasar casi “desapercibido”.
El segundo paso sería: ingresar al mundo personal del autor, a través de cómo el autor elige dibujar. Su estilo termina de crear un mundo único y personal en el que nos metemos. Su estilo de dibujo arma esa nueva realidad.
Si en el primer paso es para mi donde funciona la forma y la técnica, en el segundo paso interviene el arte y el alma.
Por eso creo que no es lo mismo dibujar de cualquier manera en el comic. Sino que tenemos la posibilidad de pensar que la manera en que elijamos dibujar, va a ser una elección de cómo construyamos nuestra ficción, de cómo va a ser nuestro mundo creado.
Algo que no es tan fácil de lograr, tal vez, en el cine o la fotografía, ya el material bruto con el que trabajamos es siempre el mismo: la realidad (aunque claro que puede verse afectada por la mano del director en la formar de encuadrar, iluminar, en el sonido, editar, etc.)
Pero, en el comic directamente estamos recreando la realidad porque el material en bruto es siempre diferente. Por más que un autor dibujo la Torre Eiffel, siempre va a ser una nueva Torre Eiffel. “Esto no es una pipa”.
Picasso decía que dibujar un círculo perfecto es imposible. Por lo cual siempre va a reflejar, nuestro círculo, la mano del autor.
Por eso yo considero que la autobiografía en el comic es ficción. Tal vez el guión sea 100% real, tal vez narre exactamente lo que sucedió con las mismas palabras. Pero si el estilo del dibujo del autor es único (piensese en un Fran López, un Rodrigo Terranova, un Chester Brown) el mundo creado va a terminar siendo de ficción, y lo que es más increíble (lo mejor para mi) es que va a ser un mundo diferente.
Volar
La gente que se acerca, creo yo, a la ficción, es porque quiere escapar a un mundo diferente, quiere experimentar otro plano de conciencia, por el motivo que sea.
Y cuánto más sorpresivo sea nuestro mundo, más agradecidos va a quedar el lector. Por lo cual no dibujar la Torres Eiffel exactamente como es, puede volverse muy interesante como forma de entrar en un nuevo estado de conciencia. Montaña y luego...volar.
Maus
Piensen cómo sería "Maus" de Art Spiegelman, si hubiese sido dibujado en una forma más “realista”. Con estilo de Caniff, por decir alguien.
Al dibujar “funny animals” (al estilo Disney: animales haciendo cosas de humanos), Spiegelman construye una montaña de fantasía, un mundo totalmente diferente, al que es fácil ingresar. Te llama, te seduce en poco tiempo.
Nos fascina...y el momento en que estamos encandilados como el conejo bang!: nos mete una historia totalmente cruda y cercana a la realidad. Lo que estamos viendo es real, pero lo estoy viendo en otro plano de conciencia.
Es, tal vez, como si metieramos la letra de “God save the queen” de los Pistols en un villancico navideño.
Estamos leyendo sobre una realidad espantosa, pero nostros seguimos en otro mundo fantástico. Estamos transitando la realidad del hombre, pero en otro plano, un mundo secundario, que en realidad es tan irreal como la Tierra Media de Tolkien.
Resumiendo: Spiegelman usó el primer paso para darnos claridad y ritmo en la lectura. El dibujo es tan sintético que flota en un segundo nivel, casi no lo percibimos. Y en el segundo paso elige utilizar funny animals como manera de terminar de crear el mundo.
El lector tiene un viaje doble a otro estado de conciencia: un viaje de historia-guión y un viaje de mundo creado a través del dibujo.
El lector agradecido
Lo que quiero decir con todo esto es que si queremos lograr fascinar a un lector y que trascienda de la misma manera que lo hace cuando contempla una montaña o el mar, o cuando meditamos, podemos trabajar sobre el dibujo. Podemos pensar el dibujo y construírlo para lograr ese efecto, de la misma manera en que trabajamos sobre el guión.
Todo esto puede hacerse, tal vez, de manera conciente o inconciente. Yo prefiero que sea de manera inconciente. Por no creo que haya una "forma" para lograrlo. Pero sí me resultó importante darme cuenta cuál era el efecto del dibujo sobre mi, como lector y cómo podía hacer un uso más conciente de eso, durante el momento de la edición o el momento previo a sentarme a dibujar.
Un dibujo que lleve rápidamente (tiempo) al lector a otro estado (transcendencia) y que pase, de alguna manera desapercibido (no-control), para que el lector no busque controlar la lectura.
Estamos inventando, modelando la ficción. Se modela y se crea el guión.
Se modela y se crea el dibujo.
Pero no es dibujar “bien”, según la academia lo que me interesa a mi en los comics. Es dibujar de tal forma que todo esto suceda.
Hergé hizo eso, Tezuka hizo eso, Ware hace eso. Dibujan ese tipo de comics que logran hacerme trascender.
El lector que soy quiere perderse, quiere sorprenderse, quiere evadirse, quiere viajar. Si el dibujo es personal y único, me logra fascinar primero, para luego presentar un mundo personal y único (y una buena historia), el lector que soy se va a meter (sin darse cuenta, si tengo suerte) se va a sorprender y cuando regrese va a estar muy agradecido.
Va a querer volver.
Yo cuando vuelvo de esos viajes, vuelvo mejor, me hace sentir bien. Hacen del absurdo algo más llevadero.
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